I. Enchevêtrement de la nature et de l’humain : réfléchir en temps de crise écologique
(1) La sacralité de la nature et la cupidité humaine Dans les films de Ghibli, la nature n’est pas un simple décor, mais une présence vivante et spirituelle. « Princesse Mononoké », située à l’époque Muromachi, raconte comment les humains abattent les forêts et chassent le dieu‑cerf pour le progrès, jusqu’à provoquer la contre‑attaque de la nature. Lady Eboshi y mène des femmes marginalisées et des lépreux pour fonder une nouvelle communauté et développer la sidérurgie afin de se défendre contre les samouraïs. Au fond, son exploitation de la nature vise la survie de son clan. Mais ses actes rompent l’équilibre écologique de la forêt et attisent le conflit entre esprits de la nature et humains. Le dieu‑cerf, incarnation de la nature, incarne un cycle de vie et de mort qui est à la fois destruction et renaissance, en écho aux lois éternelles des écosystèmes. Quand les humains s’emparent de sa tête, la forêt se fane, la terre sombre dans l’obscurité : une image de la destruction extrême infligée par l’homme. Ashitaka, représentant de l’humanité, comprend à la fois les difficultés de survie des humains et la puissance de la nature ; il cherche un équilibre fragile entre les deux. À la fin, Ashitaka et San parviennent à empêcher l’escalade de la guerre, le dieu‑cerf retrouve la vie et la forêt recommence lentement à reverdir.
(2) Vers une coexistence harmonieuse entre humains et nature
Les films de Ghibli regorgent aussi de scènes où humains et nature vivent en harmonie. « Mon voisin Totoro » raconte l’histoire de Tatsuo Kusakabe qui s’installe à la campagne avec ses filles Satsuki et Mei pour se rapprocher de son épouse malade. Dans ce nouvel environnement, les deux sœurs rencontrent par hasard Totoro, un immense esprit de la forêt, et deviennent ses amies. Totoro n’est pas qu’une créature fantastique : il est l’incarnation de la nature elle‑même, qui veille sur la croissance et le rythme du bois. Lorsqu’il se tient aux côtés de Satsuki sous la pluie, lorsqu’il fait pousser des graines en une nuit ou quand le Chat‑bus traverse les champs à la recherche de Mei, ces scènes nous font ressentir la chaleur et la beauté du lien entre humains et nature. La forêt luxuriante n’est plus un simple fond, mais un être conscient et respirant. Chaque feuille et chaque rayon de lumière, dessinés avec soin par Miyazaki, témoignent de son profond respect pour le monde naturel. Cette conscience écologique n’a rien de moralisateur : elle se manifeste au travers du regard pur des enfants – Mei endormie sans peur sur le ventre de Totoro, Satsuki reconnaissante envers les forces mystérieuses de la forêt – et suggère la relation harmonieuse qui devrait exister entre l’humain et la nature.
II. Croissance et rédemption : trouver son moi au cœur de l’épreuve
(1) Douleur et métamorphose de la croissance
La croissance est un thème récurrent dans les œuvres de Ghibli. « Le Voyage de Chihiro » relate l’histoire de Chihiro, qui pénètre dans le monde des esprits lors d’un déménagement avec ses parents, lesquels se transforment en cochons par gourmandise. Pour les sauver, elle travaille dans une maison de bains et, au fil des épreuves, grandit et se retrouve elle‑même. Au départ, Chihiro est une fillette gâtée et craintive, mais dans le monde des esprits, elle est forcée d’affronter les difficultés et les dangers. Elle passe du statut de novice maladroite à celui d’employée compétente. Elle aide un esprit‑rivière pollué à se purifier et à retrouver sa puissance ; elle aide Sans‑Visage à se retrouver pour ne plus se perdre dans le tourbillon du désir ; elle aide enfin Haku à se souvenir de son véritable nom, accomplissant ainsi une rédemption mutuelle. Au cours de ce voyage, Chihiro devient forte, courageuse et bienveillante, et elle récupère à la fois son nom et son identité.
(2) La force de la rédemption et l’espérance La rédemption est un autre motif central dans la filmographie de Ghibli. « Le Château dans le ciel » suit Pazu, un orphelin décidé à accomplir le dernier souhait de son père : retrouver la légendaire île flottante de Laputa. Avec Sheeta, une mystérieuse jeune fille, il affronte l’armée et d’autres forces et passe, au fil de l’aventure, de la naïveté à la maturité. Laputa représente une civilisation technologique très avancée qui s’effondre pour avoir rompu avec les lois de la nature. En recherchant le château, Pazu et Sheeta découvrent non seulement les secrets de Laputa, mais aussi leur propre valeur et leur raison d’être. Par leurs actions, ils empêchent l’armée d’exploiter Laputa et permettent à l’île de retourner à la nature. La destruction du château symbolise les catastrophes possibles liées à la poursuite effrénée de la technologie, tandis que les choix de Pazu et Sheeta incarnent l’espoir en un avenir humain plus responsable.
III. Guerre et paix : réfléchir au destin de l’humanité
(1) La cruauté de la guerre et ses blessures La guerre est un thème lourd et récurrent dans les films de Ghibli. « Le Tombeau des lucioles », qui se déroule dans le Japon de la fin de la Seconde Guerre mondiale, raconte l’histoire d’un frère et d’une sœur qui perdent leur foyer et leur famille et meurent tragiquement. Le film montre sans détour la brutalité de la guerre et la froide indifférence des êtres humains. Seita et sa petite sœur Setsuko perdent leur mère lors d’un bombardement, doivent quitter leur maison et commencent une vie errante. Ils se réfugient dans une caverne et survivent grâce aux herbes sauvages et au vol de nourriture. Sous l’ombre de la guerre, leur existence devient de plus en plus désespérée : Setsuko meurt de malnutrition et Seita, miné par le désespoir, finit lui aussi par mourir. Le film ne cherche absolument pas à enjoliver la guerre ; il en expose la souffrance et les traumatismes avec réalisme. Il nous pousse à questionner le sens et la valeur de la guerre, et à mesurer la fragilité de la paix.
(2) Nostalgie de la paix et quête d’un avenir apaisé Si les œuvres de Ghibli critiquent violemment la guerre, elles expriment aussi un profond désir de paix. « Porco Rosso », situé dans l’Italie de l’après‑Première Guerre mondiale, raconte l’histoire de Porco, un ancien as de l’aviation frappé d’une malédiction qui le transforme en cochon. Ayant trop vu de mort et de destruction, il est écœuré par la guerre. Il quitte l’armée et devient chasseur de primes. Dans ses combats contre des pirates de l’air, il rencontre Fio, une jeune mécanicienne et pilote pleine de courage. Sa bravoure et sa bonté aident Porco à retrouver confiance en la vie et à reprendre espoir. Ensemble, ils triomphent des pirates et protègent la paix au‑dessus de l’Adriatique. Porco symbolise celles et ceux qui ont perdu foi et espoir dans la tourmente de la guerre ; sa transformation incarne le désir profond de paix et la volonté de lutter pour elle.
IV. Une portée profondément ancrée dans le réel
Les films d’animation de Ghibli ne sont pas de simples divertissements : ils constituent aussi une réflexion et une critique de la société réelle. À travers des récits fantastiques et des images vivantes, ils mettent en lumière des problèmes tels que la crise écologique, la guerre, l’avidité et l’indifférence humaines. En parallèle, ils expriment l’aspiration à un avenir meilleur : coexistence harmonieuse entre l’homme et la nature, paix et amour. En savourant ces œuvres comme de l’art, nous sommes invités à réfléchir à notre propre vie et au chemin que prend notre société. Les films de Ghibli sont semblables à un phare qui éclaire notre route et nous donne l’espoir qu’un autre futur est possible.